Dit jaar zijn er al diverse prachtige albums uitgekomen die opereren in het progressieve genre. Eén van die albums is Waves Of Loss And Power van Ice Age. Na 22 jaar kwam de band met een meesterwerk en lieten de afgelopen twee decennia smelten als sneeuw voor de zon. Tijd dus om de band in de persoon van zanger/toetsenist Josh Pincus even wat vragen voor te schotelen
Je begon in 1991 met Ice Age. Wat was de aanleiding om een instrument te gaan bespelen en een band op te richten?
Ik begon klassieke piano te spelen toen ik zes was; Jimmy en Hal begonnen wat later in hun leven, in hun tienerjaren. De “genese” van de band (geen woordspeling bedoeld) gaat helemaal terug tot eind jaren 80. Jimmy en ik waren op de universiteit gemeenschappelijke vrienden van een geweldige drummer genaamd Doug Dina – ze speelden toen allebei in een coverband en we hielden allemaal van dezelfde soort muziek – voornamelijk metal en klassieke rock – we waren allemaal gek op Deep Purple, Zeppelin, Sabbath, Kansas, Iron Maiden, Queensryche, enz… als het toen niet zwaar was, was ik voor het grootste deel niet geïnteresseerd, wat natuurlijk een probleem vormde voor een toetsenist. De richting die Rush in de vroege tot midden jaren 80 insloeg met de toevoeging van meer prominente keyboards was een verademing voor mij, omdat het min of meer bewees dat je synths kon gebruiken en toch een in wezen heavy band kon zijn. Pas later begon ik me meer te interesseren voor bands als Kansas, Yes en Spock’s Beard. Hoe dan ook, we begonnen allemaal samen te jammen in de zomer van ’88 – we sjouwden letterlijk de drums, Jimmy’s gitaar, versterker en luidsprekerkasten, en mijn Roland D50-synth (die ik nog steeds heb en op het nieuwe album gebruikte) van één wasruimte op de campus naar de volgende om op te zetten en te spelen, want het was een plek met stroom en een klein beetje ruimte voor ons om op te zetten. Ik denk dat we die zomer letterlijk uit al die wasruimtes werden gegooid (meerdere keren door dezelfde persoon!) Omdat we te veel lawaai maakten. Op dat moment waren we gewoon aan het jammen; het was pas in 1990 dat we ‘serieus’ begonnen te worden over het vormen van een band, en besloten om het ‘Monolith’ te noemen.
Wie heeft de naam van de band bedacht?
Zoals ik al zei, was de oorspronkelijke naam van de band Monolith – we hebben een paar demo’s gedaan met die naam. Helaas kwamen we erachter dat een andere band in onze omgeving gebruikte en deze niet wilde opgeven, dus we bespraken een hele reeks mogelijke namen, en degene waar we het allemaal over eens waren, was Ice Age – we dachten dat het ” groot” en suggestief en erg proggy klonk, hoewel het problematisch werd toen de film uitkwam (lol).
Na het besluit om een pauze in te lassen, bleven jullie contact houden. Wanneer wist je dat de tijd rijp was om het nieuwe album op te nemen?
Het was rond 2015 toen we weer begonnen te praten over samen spelen. We hadden enkele schrijfsessies die verrassend goed gingen, vooral nadat we zo lang niet samen hadden gespeeld. Het was alsof we nooit waren gestopt met spelen. Met de verplichtingen van het leven, schema’s en gewoon afstand was het moeilijk om regelmatig bij elkaar te komen. Maar toen we dat deden, hebben we er absoluut het beste van gemaakt. Nogmaals, aangezien er geen tijdsbeperkingen of verwachtingen boven ons hingen, deden we het in ons eigen tempo en op onze eigen manier. Het was een lang proces, maar zeer bevredigend op vele niveaus. Doug kwam in 2001 in beeld toen de band afscheid nam van bassist Arron DiCesare. Ook al kostte het ons 22 jaar om een nieuw album op te nemen en uit te brengen met Doug. Het was naar mijn mening het wachten meer dan waard. Dit is het beste album dat we hebben gemaakt. We waren altijd goede vrienden gebleven (we zijn broers als je wilt), zelfs nadat de band vele jaren niet samen speelde of optrad. We hebben altijd die ongelooflijke chemie en vreugde gemist die we voelden tijdens het schrijven en samen muziek maken. Doug en ik waren altijd betrokken geweest bij verschillende andere geweldige bands en nevenprojecten. Maar we zouden nooit die leegte kunnen vullen die is ontstaan door de luiheid van Ice Age. Het voelde echt alsof er nog zoveel onafgemaakte zaken over waren. We voelden het allemaal en we hadden er allemaal vraagtekens bij. We hadden dus geen andere keuze dan de mogelijkheid om weer samen te spelen opnieuw te bekijken. Dus in ongeveer 2015 kwamen we allemaal samen voor een barbecue bij mij thuis en we besloten dat we van deze gelegenheid gebruik moesten maken om gewoon voor de lol te jammen. Geen verplichtingen, geen verplichtingen, geen verplichtingen maar vooral… geen verwachtingen. Onnodig te vermelden, maar we wisten allemaal meteen dat we muzikaal nog veel meer te vertellen hadden en dat Ice Age nog lang niet klaar was. Het was een heel opwindende tijd wetende dat we uiteindelijk allemaal weer samen nieuwe muziek zouden schrijven. In de komende maanden hebben we een paar studiosessies ingepland om het repetitieproces op gang te brengen en te kijken waar het ons toe zou leiden. Ik moet toegeven dat er enige onzekerheid bestond of we wel of niet op dezelfde manier zouden kunnen schrijven als vroeger. En zou het schrijven net zo natuurlijk gaan als voorheen? Terug in onze “jeugd” zouden de muzikale ideeën, pauzes en overgangen gewoon zonder veel aarzeling vloeien. Eerlijk gezegd was het behoorlijk verbazingwekkend om terug te kijken en gelukkig is het iets dat we nog steeds bezitten Vandaag. Het is werkelijk een prachtige muzikale verbinding.
Op Waves Of Loss And Power heb je een vervolg gemaakt op Perpetual Child en To Say Goodbye. Hoe moeilijk is het om de nieuwe delen van deze ‘oude’ nummers van de eerdere albums te schrijven?
Nou, dat is een prog-traditie, toch? Rush had de “Fear”-saga, enz… terwijl we aan het schrijven waren voor WAVES, had ik altijd het idee in gedachten om de verhalen/liedjes voort te zetten die we begonnen op de eerste twee albums, dus het was echt helemaal niet moeilijk – we wilden om muzikaal naar de oude nummers te verwijzen zonder iets te dupliceren. Sommige delen die Jimmy bedacht voor wat Perpetual Child Part II zou worden, deden denken aan het eerste deel, en daar hielden we rekening mee toen we het nummer uitwerkten. Toen ik op de piano begon te schrijven, werd het duidelijk dat mijn onderbewustzijn me terugstuurde in de richting van “To Say Goodbye”, dus ging ik ermee akkoord. Op het nieuwe album wisten we dat we een echte kans hadden om “groots” te worden door enkele van de muzikale motieven en lyrische ideeën van de eerste twee albums voort te zetten. Ik wilde in contact komen met fans van de eerste twee albums, en hen eraan herinneren dat we ons herinneren wat ervoor kwam, en dat we het gevoel hebben dat deze concepten die we vroeger hebben aangeraakt, nog steeds van toepassing zijn op de voortdurende ervaring van muziek en het leven. Het idee van het eeuwigdurende kind gaat over jezelf verzoenen met de ervaringen en ‘plichten’ van volwassenheid, terwijl je zelfbewust genoeg bent om te beseffen dat we die vormende jaren nooit echt achter ons laten, en dat we alles met ons meedragen door ons leven, of het nu toegeven of niet. Het wordt ook gebruikt als metafoor voor andere dingen in deel II, maar dat laat ik aan de luisteraar over om erachter te komen! “To Say Goodbye” gaat echt over verlies, spijt en verdriet. We ervaren deze dingen allemaal op veel verschillende manieren – Deel V is vrij specifiek met betrekking tot het probleem dat het behandelt.
Voor mij doet de muziek op het album me denken aan de oude klassieke (symfonische) rock van Kansas en Styx. Maar er zit ook een vleugje Dream Theater in. Wat zijn je muzikale roots?
Bedankt!! Dat zijn grote complimenten – en die twee bands waren vooral belangrijk bij het vormen van mijn “smaak” in progressieve rockmuziek – Styx was een vroege invloed, en ik werd me wat later bewust van het genie van Kansas toen ik hun catalogus begon te verkennen. Toen ik jong was, hield ik van Rush, Joruney, Iron Maiden, Black Sabbath – een behoorlijk breed spectrum. Naarmate ik volwassener werd als muzikant en luisteraar, begon ik echt in bands als Yes en Spock’s Beard te komen. Dream Theater heeft een speciaal plekje in ons hart. Ik herinner me dat we op een avond in een club op Long Island waren (we kwamen allemaal uit hetzelfde geografische gebied), en we hoorden voor het eerst het eerste Dream Theater-album – de band was daar om albums te signeren. Die muziek horen was alsof je door de bliksem werd getroffen – het was geweldig spul. Zwaar, progressief, melodieus, veel geweldige keyboards… Hoe dan ook, ik besloot dat ik wat hulp nodig had om te leren spelen met meer een rockgevoel. Ik belde de plaatselijke muziekwinkel The Music Emporium (om te zien of ze instructeurs hadden die me konden helpen. Ik zal nooit de man aan de andere kant van de lijn vergeten die zei: “We hebben Kevin Moore hier.” zoals, wacht, DE Kevin Moore van Dream Theater?! “Yep.” Holy SHIT!! Onnodig te zeggen dat ik keihard heb geoefend voor de eerste les – ik speelde een deel van de Chopin “Fantasie Impromptu” voor hem (wat behoorlijk moeilijk is ) de eerste keer dat we elkaar ontmoetten, en het klikte meteen. Hij bezorgde me daar ook een baan als docent. Ik ging naar zijn huis en hij schreef de solo’s van het eerste DT-album en Images and Words , leerde me over synthtechniek (die heel anders kan zijn dan de piano), en hij speelde me het nieuwe materiaal waar ze aan werkten – ik herinner me dat hij “Wait For Sleep” voor me speelde op de piano in zijn woonkamer Ik was zo’n fanboy ( lol). Ik heb eigenlijk ook een optreden voor hem gereden – mijn tijd met hem om te gaan was van onschatbare waarde, net als de lessen met Tony, die een paar jaar later kwamen, hielp het me echt vertrouwen op te bouwen in mijn kunnen. Toen ik Kevin eenmaal ontmoette, kreeg Jimmy de kans om te studeren bij John Petrucci (Dream Theater, Liquid Tension Experiment) waarvan ik weet dat het ook geweldig voor hem was.
Ik las in je bio: “Tekstueel pakt Pincus existentiële conflicten en doordringend sociaal commentaar met evenveel vaardigheid aan.” Kun je er een voorbeeld van geven?
Ik ben opgegroeid met bewondering voor het lyrische werk van Neil Peart, Paul Simon, Stephen Sondheim en vele anderen. Wat ze allemaal gemeen hebben, is volgens mij het doel om de luisteraar uit te dagen om zijn eigen menselijkheid onder ogen te zien; om hun tekortkomingen toe te geven en uiteindelijk deze realisaties te gebruiken voor positieve groei, voor zover mogelijk. Ik probeer ook te schrijven op een manier die niet te specifiek is, of op zijn minst een beetje ondoorzichtig, omdat ik wil dat de luisteraar/lezer zijn eigen interpretatie kan geven aan dingen op basis van zijn eigen levenservaring/standpunt. Over het algemeen gaat ‘Waves of Loss and Power’ over de grote hoogten van creativiteit en hoop en persoonlijke kracht die we allemaal hebben en voelen in het leven, en het contrast met het verdriet en verdriet van verlies waar we allemaal onvermijdelijk op veel verschillende manieren mee te maken hebben; persoonlijk verlies, verlies van onschuld, enz. Ik denk dat naarmate ervaring en tijd ons teisteren, er tijden zijn dat we ver verwijderd zijn van wie we dachten dat we waren, of wie we hoopten te worden toen we jong waren. Er zijn momenten van optimisme en momenten van cynisme; deze bestaan constant naast elkaar in ons, en die innerlijke strijd komt tot uiting in de acties die we elke dag naar buiten toe ondernemen, en die conflicten manifesteren zich ook op culturele en politieke manieren.
Je zei ook: ““Met leeftijd en ervaring komt extra wijsheid en volwassenheid (hopelijk)… we zijn altijd bezig geweest met het schrijven van gedenkwaardige liedjes en het presenteren van uitdagende ideeën binnen het progressieve rockgenre; met WAVES OF LOSS AND POWER hebben we dat doel echt bereikt. We zijn er enorm trots op.” In welk opzicht is de muziek op Waves Of Loss and Power anders dan The Great Divide and Liberation?
De muziek is anders in die zin dat we sinds die tijd veel hebben uitgerekt en gegroeid, muzikaal en op alle andere manieren. Dat gezegd hebbende, de muziek is duidelijk erg verbonden met wat we in die tijd aan het doen waren, aangezien we nog steeds ‘ons’ zijn. In veel opzichten zijn deze nummers een weerspiegeling van de jaren dat we niet samen speelden – ze zijn gemaakt en geïnspireerd door persoonlijke ervaringen en volwassenheid. De nummers vallen binnen een bepaalde tijdlijn en ze vangen de worstelingen en groei van de band. Dit album is in veel opzichten heel persoonlijk voor ons allemaal. Ik denk dat het te zien is aan de teksten en de uitvoeringen. Het is iets speciaals dat we op dit album hebben kunnen vastleggen: emotie. Gedurende die vele jaren dat we niet samen speelden, is de drang en behoefte om creatief te zijn nooit verdwenen. Elke artiest zal je vertellen dat het niet uitmaakt hoeveel tijd je buiten je handwerk doorbrengt, het is nooit ver van je geest en je hart. Ik denk dat we allemaal in ons achterhoofd wisten dat we uiteindelijk weer bij elkaar zouden komen en zouden schrijven/opnemen. Een deel van het mooie van dit nu te kunnen doen, is het feit dat levenservaringen ons allemaal zo hebben gekruid en dat onze individuele muzikale smaak enigszins is veranderd; dat rijpingsproces vindt zijn weg naar de muziek en de teksten, en het is heel duidelijk dat de voltooide stukken producten zijn van die tijd apart, maar ook van de ongelooflijke chemie die we hebben als muzikanten en mensen; in die zin is het alsof we nooit zijn gestopt met samen spelen.
Wat betreft het opnemen ervan… eerlijk gezegd waren we eigenlijk alleen maar van plan om 2 nieuwe nummers te schrijven als dank aan onze fans. Na een afwezigheid van 20 jaar vonden we dat we hen iets speciaals verschuldigd waren voor al hun steun. Nadat we een demoversie van de nummers hadden opgenomen, besloten we deze te kopen. We hadden eerlijk gezegd niets te verliezen. Lang verhaal kort: we stuurden een kopie naar Ken Golden (The Laser’s Edge / Sensory Records) en hij bood ons een platencontract aan. Let wel, dit was tijdens de pandemie, dus het schrijven van een nieuw album zou geen gemakkelijke taak worden. We zouden ons niet kunnen verenigen in een oefenstudio zoals we altijd hadden gedaan. Dus dit album werd zo ongeveer via internet gemaakt (Zoom, Jamulus enz …) Zowel Jimmy als Josh presenteerden ons een verbazingwekkend raamwerk van composities en we gingen aan de slag. We hadden als band nog nooit zo gewerkt. Niet in dezelfde kamer zijn en een soort menselijke interactie hebben, was een beetje vreemd. Spelen en communiceren via headsets was een beetje buiten onze comfortzone, maar we hebben het voor elkaar gekregen. We hebben ons allemaal snel aangepast aan onze nieuw gebouwde persoonlijke werkstations. Om efficiënter te zijn, werden de nummers de hele tijd gevolgd door Jimmy en Josh. Met vertragingen, gezondheidsrisico’s, quarantaines, enz… duurde het ongeveer twee jaar om alles voor elkaar te krijgen. Omdat de nummers voor het grootste deel al waren opgenomen, ging ik naar binnen en nam twee dagen lang drums op naast een vertrouwde clicktrack. Nogmaals, iets wat we normaal gesproken niet zouden doen. Maar we moesten ons aanpassen aan de huidige situatie. Niet de beste omstandigheden. Maar ik heb het gevoel dat we iets bijzonders hebben kunnen vastleggen.
De bandnaam Ice Age verwijst naar bevroren water. Drie nummers op het album (Riverflow, Float Away en To Say Goodbye part V Water Child) verwijzen naar water. Is er een onderlinge band?
Goede vangst – ja, de veranderende aard van water en het gebruik ervan als metafoor voor de verschillende levenstoestanden is een doorlopend thema. Water voedt ons en voert ons mee, maar het kan ons ook verdrinken. Het gebruik van de term ‘Water Child’ is een zeer specifieke verwijzing die ik aan de luisteraar zal overlaten om te onderzoeken.
Het album is gemixt en gemasterd door Rick Mouser. Op welke manier is hij verantwoordelijk voor het geluid op het album?
Rich is een meester in zijn vak, en hij was de perfecte man om dit op zich te nemen, gezien zijn uitgebreide werk met Spock’s Beard, Transatlantic, Dream Theater, enz… met zijn deskundige, “buiten” oren om naar te luisteren en aan het materiaal te werken was geweldig – ik had hem een paar gedeeltelijke nummers gestuurd om naar te luisteren, en ik herinner me hoe opgewonden we allemaal waren toen hij ermee instemde een en master het album voor ons. Het werk van Rich staat al heel lang op onze radar. We waagden een sprong in het diepe toen we hem benaderden en we konden niet trotser en vereerd zijn om hem bij de. Ik zou niet zeggen dat het ons geluid heeft beïnvloed, maar we geloven dat hij onze opnames naar een ander sonisch niveau heeft gebracht dan de technologische beperkingen van de opnameprocessen van de eerste twee albums.
De bekende progressieve bands in Nederland zijn over het algemeen Europese bands zoals Porcupine Tree, Airbag, Oak, Riverside of Soen. Jullie zijn een Amerikaanse band. Is het moeilijker om vanuit de Verenigde Staten te opereren?
Absoluut – het is tegenwoordig erg moeilijk voor progressieve bands om gehoord te worden in de VS – dat is jammer, we hadden zoveel geluk en dankbaarheid dat we in hun hoogtijdagen bij Magna Carta waren, en nu bij Sensory – dit zijn / waren de belangrijkste prog-labels in dit land; zij dragen de vlag voor progressieve muziek en dankzij hen staan we op de kaart.
Op welke manier is progressieve rock populair in Amerika? Zijn er bands die je graag aan ons voorstelt?
Helaas is het publiek voor progressieve muziek, in traditionele zin, klein in dit land. De grote corporate muziekmachine stuurt mensen in een bepaalde richting en domineert de scene. Het goede aan internet is dat het bands in staat stelt hun muziek naar buiten te brengen, maar het is problematisch om het bij de doelgroep te krijgen. Wat nieuwe bands betreft, ben ik waarschijnlijk niet de juiste persoon om het te vragen – de progressieve bands waar ik van geniet, zoals Spock’s Beard en Pattern Seeking Animals, zijn al goed bekend bij het publiek.
Het artwork van het album is best grappig. Op welke manier weerspiegelt de hoes het album?
Ik ben het ermee eens dat er zeker humoristische aspecten aan zitten op een bijna “Don Quixote” manier – maar het is ook onheilspellend en mysterieus, en behandelt enkele serieuze thema’s die in de liedjes worden onderzocht, die ik aan de luisteraar zal overlaten om te verkennen. Wie is dit personage en waarom heeft hij dit pantser nodig? Hoe beweeg je je in de woestijn op een hobbelpaard? Komen de gieren voor hem of iemand anders? Geeft hij zich op de een of andere manier over (vandaar de witte vlag)? Op de achterkant heeft hij de vlag neergegooid en zijn helm afgezet… waar gaat dat allemaal over? Ik vind het allemaal echt tot nadenken stemmend en gewoon supercool.
Björn GooBes van Killustrations doet geweldig werk voor het artwork van Pendragon en is ook lid van de geweldige band The Very End. Hoe ben je met hem in contact gekomen?
Ik ben het ermee eens – Bjorn’s albumhoes is uitstekend – het is iconisch en blijft meteen in je hoofd hangen. Hij werd ons aanbevolen door Ken Golden van ons label Sensory Records. Ik had hem de meeste muziek en songteksten gestuurd, en om het een beetje in zich op te nemen, creëerde en voerde hij dit concept op briljante wijze uit. We kunnen niet gelukkiger zijn met zijn bijdrage.
Je treedt op op de ProgPower USA XXII in september. Nerveus?
Om eerlijk te zijn, ja dat zijn we! We hebben al bijna 20 jaar geen optreden meer samen gespeeld, en het is een voortdurende uitdaging om onszelf zover te krijgen dat we al dit ingewikkelde materiaal live kunnen spelen. Dat gezegd hebbende, het is een leuke, en we zijn er erg enthousiast over!